作曲における全体像作成の重要性
耳で聴くうちやま作曲教室ってことでやってきますが、
作曲の一個のやり方として、全体をまずざっくり作って、
で、後から細かいところを詰めていくっていうね、そういうやり方があって、
曲作りの時に細かいところをいきなり細かく細かく順序立てて詰めていきたくなるんですけど、
やっぱりそれよりもですね、全体の枠組みを先に作った方が結構その作業としては進みやすくて、
まあ、その作業がなかなか進んでいかないストレスみたいなものをちょっと軽減できるという感じ。
そういうのはありますね。だから、たまに言うんですけど、粘土細工とかでね、
粘土細工なんか彫刻なのかちょっとわかんないですけど、そういう造形作品みたいので、
その細かいパーツをいきなりすごく作り込んでいくってことは多分あんまりなくて、
粘土細工もまず全体のアウトラインをざっくり削り出して、
で、そのざっくりした全体のアウトラインをちょっとずつ詰めて、細かい描写にしていくっていうかね、
そんなやり方をすることが多いと思うんで、まさに作曲のアウトラインを作るやり方もその粘土細工のそれと同じでね。
まずざっくり作って、なんとなく全体こんな感じみたいにして、で、細かいところをちょっとずつ詰めていくっていうね。そういう方法ですね。
全体像作成の具体的な進め方
だからまずどういうものを作るかっていう企画の段階があって、
で、その企画から全体としてこういうものを自分は見出していけばいいんだってことがわかるんで、
だからまずなんかちょっとポップな、例えば明るい曲にするみたいな、そういう本当にざっくりした方針があって、
で、じゃあ曲のキーはCメジャーでとかDメジャーでとか決めて、
で、テンポはなんか手拍子して大体バンバンバンみたいな、こういう感じのテンポで行こうみたいなの決めて、
で、ちょっとこうなんて言うんですか、展開もサビでバーンって盛り上がるような、そういう曲にしようみたいな、
なんかそういう本当にざっくりした方針がまず決まるじゃないですか。
で、なんかA、Bサビみたいな、そういう曲の形式、セクションの展開で作っていこうみたいな。
で、まずその全体を作っていくんで、だからAメロとしたらこんな感じみたいな。
で、その時もなんかコードとかも、はじめからすごいこだわってもいいんですけど、なんとなくこういう感じのダイアトニックとかだけでいいんで、
こういう全体の流れができているっていうね。
そのコード進行としてはまずざっくり、標準的なコードを使う形でいいと思うんで、
それでまずざっくり作って、
で、そしてメロディーもある意味ちょっと自然な流れというか、
よく思いつくような感じっていうかね。
あんまりそこに変に抵抗しようとせずに、
まずざっくり自然な流れで、なんとなくこんな感じっていうラインを作って、
で、それでなんとなく全体の一部のパートとしてAメロができたと。
そしたらAメロこんな感じだから、じゃあ次Bメロこんな感じにしようかなみたいな風にして、また流れを作って。
で、その流れでABサビみたいな感じで、なんとなく全体を作ると。
で、ワンコーラスでまずはいいと思うんですけど、ワンコーラスできたら、
そのABサビの中で特にこの辺はこうすべきだなっていうのがもっと見えてくると思うんですよね。
この全体ができることで。
で、その全体ができないで、
例えばAメロの本当に一部分のメロディーラインの質をすごいこだわってても、
多分その全体から見えてくるその位置づけっていうのはあんまりそこではわかんないと思うんで。
だからやっぱりそこでまずとりあえず荒くてもいいんで、まず全体を作って、
で、それを元にこの一部はこういう感じにすべきだなっていうのをそっかり見ておいて、
で、細かい部分により手を入れていく。
全体像作成による改善と発展
メロディーラインがちょっと平凡だなと思ったら、もうちょっとこの辺の流れがこっちの上の方に行った方がいいとかね。
ちょっともうちょっと間延びする感じがいい。
Aメロはどっしりした感じにしようとか。
サビはもっと音を詰め込んで、もっと派手な感じにリズムを複雑にして派手な感じにしようとかね。
そういう方針が立てられますよね。
で、コード進行もダイアトニックの、いわゆる標準的なコードを使った展開でできてたら、
Aメロはそれでもいいけど、サビもこれだとちょっと弱いから、サビはもうちょっと変なコード入れようとか。
ちょっと一部を普通にメジャーコードだったものをマイナーコードにしてみようとかね。
メジャーコードだったものをセブンスにしてみようとか。
そんな感じで、もともとあったものを元に作り込んでいきますね。
だからそれはまさに粘土でいう、ちょっとぼんやりしてるじゃないですか、全体像って。
ぼんやりしてる粘土細工の全体像の細かいところを彫り込んでいくみたいな。
彫り込んでいくとちょっと彫刻になっちゃいますけど、粘土だから細かく造形を形作っていくっていうかね。
そんな感じでやると、全体像が見えてるからその細かいところも安心して作り込んでいけるっていうかね。
作曲でよくあるのが、いきなりそういう細かいところに手をつけようとして、
もちろんメロディーラインってすごく格になる、これぞって思えるようなアイデアを出すっていうのはすごい大事なんですけど、
それ以外の部分もすごい細かく細かく作っていってね。
で、ダメ出しをして戻って、頭から聞いてダメ出ししてもう一回作ってまた戻ってまた聞いてみたいな風にやってると、
全体像作成のメリットと効果
もう全然進まなくなっちゃうんで。
だからなんとなくオッケーオッケーって感じで全体の流れをまず作ってから、
その後に粘土でいう細かいところを作っていくみたいな感じで、
細かいところを本当にね、メロディーラインの細かい流れとか作っていくっていうね。
だから時間がかかると、結構何やってたかがわかんなくなっちゃうよね、自分でね。
もともとどういう方向に向かおうとしてたんだっけっていうのが、
その一個一個細かく決めてこうとするとわかんなくなっちゃうんで。
だからまずアウトラインで流れを作って、細かいところを後から作っていくっていう。
そういう風にやっていくっていうね。
やり方がやっぱりおすすめですかね。
いきなり細かく作り込んでいきたいんだよっていう人もいると思うんですけど、
特に慣れてない頃に細かく細かく作ろうとしてなかなか進んでいかないっていう場合には、
この全体をざっくり作るっていうのはすごくおすすめできますね。
叩き台があれば、そこからいろんな発想ができて、
それまでになかった発想が新たに思い浮かんだりとかそういうこともあるんですよね。
だから曲のいろんなアイディアを取り入れるっていう意味でも、
ざっくり仮確定版みたいなものを作るっていうこともすごく意味があるし、
あとさっきの反対で、やっぱ全体ができてるとね、
熱意も保てるし、何やりたかったんだっけって迷うことがなくなってくるし、
あと純粋に仮確定版でもいいんで50%くらいできてたら、
気持ちとしては健全じゃないですか。進んでるなっていう感じがしてね。
いきなり細かく作ろうとして、もう全然進んでないっていう状態でイライラしてくる、
焦ってくるとかね。っていう状態に比べると、ざっくり作ってあるほうがまだ健全だと言えるんで。
全体像作成の実践と応用
だからまずはなんとなくこんな感じだよっていう全体を作り、
細かいところを全体を聞きながら詰めていくと。
で、メロディー、コード、たまにはそれ以外の部分にも意識が向いて、
その全体像さえもちょっと崩してもいいと思うんですけど、
基本的にはその全体像を維持しながら細かいところを掘り込んでいくっていうか、
それで大々的にABサビ方じゃなくしちゃおうとかね、サビをなくしちゃうとかね、
そういう本当に大きい変更の時にはあってもいいと思うんですけど、
なんとなく今の例で言えばABサビでサビが盛り上がって明るい感じでみたいな、
その本当の方向性を維持しながら細かいところだけに手をつけていくっていう感じでやるといいですよね。
そんな感じかな。
だから今もし本当にその辺にちょっとフラストレーションが溜まっている、
これを聞いているあなたはいきなり細かいところを作ろうとせずに、まず全体を作ると。
で、とりあえずこんな感じみたいな風にして進んでいく。
私がその作曲を見てたある人が、本当にそれが上手い人がいて、
流れで急に一部はざっくりこんな感じみたいな風にして、
すごい手を抜いた感じになるんですよね。
でも全体としてはできてるみたいな曲がね。
で、細かいところがその次の回にはしっかり詰められてきて、
だんだん本当に一曲としてしっかり練り込まれた感じになっていくんですよね。
だから本当に作曲を前に進めるっていうね、
そういう観点ではまず全体像を作って、後から細かいところを詰めていくっていうやり方はすごく効果がありますので、
前に進める意味でも、ぜひそのあたりを取り入れてやってみていただければと思います。
そんなわけで今回は、まずざっくり作って後から詰めましょうみたいなね、そんな話をしてみました。
お伝えした内容をぜひ参考にしてみてください。
では今回はこれで終わりになります。ありがとうございました。
