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もうやスマホの画面にある再生ボタンは必要ありません。あなた自身の足が再生ボタンなんです。
いやー鳥肌が立ちました。
すごい体験ですよね。
今日最大の発見はこれですね。アートや音楽を鑑賞する枠組みが、キャンバスや額縁あるいはスピーカーという目に見える枠からついに飛び出して、私たちが息をして歩き回る環境そのものへと完全に溶け込んでしまった
ということです。
ME-FM
東京の美術館からあの40年もの間、まるで存在しなかったかのように姿を消していた伝説の絵画。
How? 実はそれ、当時のエリート美術界からは完全に無視されていて、日用品のデザインなんかで声優を立てていた異端児の作品だったとしたら、あなたはどう思いますか?
いやー私たちが普段、ここは現実でここから先がアートだって無意識に引いている境界線がですね、足元からガラガラと崩れ落ちるような感覚ですよね。アートの常識が文字通り物理的にひっくり返される瞬間です。
そうですよね。キャンバスや額縁、あるいはスピーカーっていう決められた枠組みを打ち破って、絵をアートの方から私たちの日常や空間へと侵食していく。今日はそんな少し不思議でスリリングの体験の世界へご案内
します。
ナビゲーターを務めるホストです。アートの歴史と背景を読み解く専門家です。進行サポートもMOAです。
さて今日はですね、読み込んだたくさんの資料や最新のアートニュースから一つの大きなテーマをじっくり紐解いていきたいと思います。
はい、お願いします。
そのテーマとはズバリ、フレームを飛び出し、私たちの日常と物理的空間を侵食するアートです。
うーん、非常にシャイティングで現代的なテーマですね。
アートって、なんか普通は美術館の壁にかかっている重厚な額縁の中とか、絶対に触ってはいけない台座の上だけで完結しているものだって思いがちじゃないですか。
そうですね、守られた空間があるといいか。
そうですね、守られた空間にあるというか、でも今日の話題は全然違うんですよ。
その枠を飛び越えて、どうやって私たちの使う日用品になったり、あるいは街の巨大な彫刻になったり、
ええ、さらには私たちが息をする空間そのままへと形を変えて迫ってくるのか。
なんだかワクワクしますね。
その背景にあるアーティストの狙いとか、アート界の裏側の仕組みまで、今日は深く探究していきましょう。
このテーマを追っていくとですね、アートを見るという私たちの行為そのものが、実はどれほど制限されたものだったかということに気づくはずです。
なるほど、そしてそれが今どう解き放たれようとしているのかですね。
はい、その通りです。
では早速最初の話題に行きましょうか。
舞台は東京です。
テレフは?
はい、東京国立近代美術館で竹久雄明寺、時代を創る表現者展が開催されています。
ああ、竹久雄明寺、大衆どもが象徴するスターデータですよね。
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ええ、日程は2026年10月23日から2027年1月11日までなんですけど、これ過去最大規模なんですよ。
そうなんですか?
全国から約500点もの作品とか資料が一堂に集結していまして。
500点、それはすごい。
なんといっても今回の目玉が、1919年に描かれた彼の最高傑作とされる絵画の黒船屋なんです。
ああ、ヌエビスか。
はい、黄色っぽい着物を着た女性が黒猫を大事そうに抱きかかえている、
あの安寮な表情と猫の毛並みの対比がすごく印象的な作品なんですが、
美術界隈ではかなり前単話題が発表していましたよね。
そうなんです。
これがなんと約40年ぶりに東京で公開されるということで、
でもここからが今日の本題であり一番面白いところなんですよ。
と言いますと、
実はこの東京国立近代美術館って1950年代の開館以来、
ずっと近代美術のトップランナーたちの作品を収集してきたんですよね。
おお、なんかそのタニアの代表とする美術館ですからな。
なのに、たけひさ有名人の美術作品をこれまでほとんど所蔵してこなかったんですよ。
なるほど。
これだけの有名人なのに。
ですよ。
あ、でもなぜ国立の近代美術館が彼を長年無視してきたのか、
そこがすごく気になりませんか?
そこがまさに今回の大きなポイントですね。
なぜなんですか?
それはですね、当時の日本美術界のガチガチのヒエラルキーに原因があるんです。
ヒエラルキーですか?
はい。当時の美術館や国が主催するエリート展覧会、
いわゆる観展の権威たちは、
有名人の作品を純粋な芸術として認めていなかったんですよ。
えー、認めていなかった。
あれだけ大衆的な人気があったんですか?
そうなんです。
彼らの考える純粋美術っていうのは、
例えば国威を発揮するような壮大なテーマの油絵であったり、
なるほど。
権威ある美術学校でアカデミックな教育を受けた者が描く、
一般の学部地に入った作品だったんです。
お答えですね。
ところがユメジは正規の美術学校出ていませんし、
そうした美術団体にも一切所属していませんでした。
そんどったんですね。
だから当時のエリート層からすれば、
彼はただの大衆向けの商業イラストレーターに過ぎなかった。
…です。
なるほど。
エリートの枠組みである観点のフレームからは
完全に指名出されていたわけですね。
ええ。
そこでユメジはどうしたか?
ここが彼のすごいところなんですけど。
権威にすり寄るんじゃなくて、
真逆の方向に行くんですよね。
はい、そこが彼の真骨頂です。
1914年に東京の日本橋で
港や映像支店というお店を自ら開くんです。
ねえ、今でいうオシャレな雑貨店とか
セレクトショップのようなお店ですよね。
そうそう。
そこで自分でデザインした封筒とか
瓶船、手ぬぐい、千代紙、
さらには本の装填やポスターまで販売したんですよ。
もう広範団の技術を使って
色鮮やかでモダンなデザインのグッズを
次々と世に送り出したんですよね。
これ現代の感覚で考えてもめちゃくちゃ先駆的ですよね。
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間違いないですね。
お金持ちのパトロンとか
国がお金を出して大きなキャンバスの絵を買う
っていうんじゃなくて
名もなき何万人もの一般の若い女性とか大衆が
自分のお小遣いで夢路のグッズを買って
毎日の生活に取り入れていったんですよね。
まさにその通りです。
当時としては本当に画期的なアクローチでした。
友達に手紙を書くためのかわいい瓶船とか
毎日持ち歩く手ぬぐいにアートが入り込んでいったと。
彼は純粋な美術という特権階級の枠にとらわれず
人々も暮らしという日常空間に
自分のアートをどんどん侵食させていったんです。
暮らしの称食ですか?
はい。美術館の重々しい壁ではなくて
生活の手触りの中に彼の芸術は存在していたんですよ。
いやでもこれって今の時代に例えるならですよ。
テレビ局とか大手メディアから全く相手にされなかったクリエイターが
自分でYouTubeチャンネルを立ち上げたり
個人のオンラインショップでオリジナルグッズを販売して
熱狂的なファンを獲得して
人時代を築いちゃったみたいなものじゃないですか。
あーすごくわかりやすい例えですね。
それなのに何十年も経ってから国営放送とか経営やる組織が
あなたは日本の偉大な芸術家でしたって
大々的に表彰するようなものですよね。
確かにそう見えますよね。
正直近代美術家の対応ってちょっと手のひらがらしすぎませんか?
なぜ今になって彼をこれほど大々的に展示するんですか?
その疑問は最もです。
でもですね、見方を変えれば
これは美術館側の敗北であり
同時に時代に合わせたアップデートの証明でもあるんですよ。
だってだったですか?
はい。近代が作り上げてきた
これは高尚な純粋美術
これは低俗な商業デザイン
って明確に切り離す価値観そのものが
へえ、今まさに崩壊しつつあるという証拠なんですよ。
あちけんなほっかお。
なるほど。
夢次の進化はエリート層に向けた
高尚な一点物の芸術を作ったことではないんです。
はい。大量生産される印刷物や日用品というメディアを通じて
人々の日常の視覚文化
つまり世界の見方を根底から変えたことにあるんです。
世界の見方を変えた?
ね。現代のデザイン文化やポップカルチャー
さらには可愛い文化のルーツを考える上で
彼の仕事は絶対に避けて通れませんからね。
ああなるほど。
だからこそ美術館側も彼を美術師の重要な一部として
再評価せざるを得なくなったと考えるべきでしょう。
いや面白いですね。
エリートの張ったフレームを内側から壊すんじゃなくて
外側の大衆の日常から包み込んで
結果的にフレームそのものを無効化してしまったわけですね。
見事な逆転劇です。
本当にそうですね。
さて、ユメジはアートを手のひらサイズの日用品にして大衆に届けました。
でもアートのスケールって不思議なもので
その個人的な手のひらサイズの作品を
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逆にとてつもない巨大なスケールに引き伸ばして空間に置いたとき
ここで今日の一曲クラシックを1分ほどお楽しみください。
私たちの感情はどう揺さぶられるんでしょうか。
次は舞台を東京からニューヨークへと移しましょう。
現代アートの中心地でのスケールを通じた空間での新色ですね。
How?
日本を代表する現代アーティストの奈良よしともが
ニューヨークのチェルシーにある世界トップクラスのギャラリーで初個展を開催しています。
デイビッド・ツビールナーでの個展ですね。
そうです。日程は11月5日から12月12日まで。
しかもこれチェルシーにある20丁目と19丁目の2つの巨大なギャラリースペースを贅沢に丸ごと使っています。
ニューヨークで彼の大規模の個展が開かれるのは約10年ぶりですからね。
かなり久々ですよね。
で、この構成が非常に強くて
20丁目会場では目を閉じたフォギーテールなどの新作絵画を中心に展示していて
一方の19丁目会場ではなんと13点もの巨大なブロンズ彫刻を展示しているんです。
13点を
この2つの会場がカイナと彫刻という形で見事についになる構成になっています。
ついになる構成いいですね。
この19丁目の彫刻群がとにかく圧倒的で
巨大な倉庫のようなギャラリースペースに白いウレタン塗装がされた
まるで巨大なマシュマロか雪だるまのような丸みを帯びた頭部の彫刻が立ち並んでいるんですが
これもともとは2021年や2024年にアーティスト自身がアトリエで手でこねて作った
手のひらサイズの粘土原型なんですよね。
そうなんですよ。極めて個人的で小さなスケールのものです。
それをですね最新の3Dスキャンなどの技術を使って
なんと10倍から16倍という超巨大なスケールに拡大してブロンズで鋳造しているんです。
16倍ですが想像を絶する大きさですね。
表面には小さな粘土を押した時の指の跡とかシワ
粘土のひび割れまで巨大化されていく。
キーと残っているんです。難道。
さらに同時にワシントンにあるハーシュホーン美術館の広大な彫刻庭園でも
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これよりさらに大きなアルミ製の彫刻が展示されているそうです。
この巨大化の背景にはですね
デビッド・ツバーナーのような世界トップのメガギャラリーや
巨大な美術館が莫大な資金と広大な空間を提供しているという事実があります。
メガギャラリーの力が大きいわけですね。
彼らの強大なバックアップと技術力があってこそ
個人的な粘土在庫が都市空間を制圧するような超巨大なパブリックアートとして整理するわけです。
ちなみにこの彫刻は
青森の雪深い冬の記憶
スノーモンスターと呼ばれる樹氷がモチーフになっているそうですよ。
樹氷ですか。
そこであの専門家に
ちょっと意地悪なツッコミをしてもいいですか?
はぁはぁどうぞ何でしょうか。
昔の奈良ヨシトン作品といえば2000年のナイフビハインドバックのような作品が有名じゃないですか。
へぇ、約27億円で落札されたという世間を睨みつけるような少女の絵ですね。
あのヒリヒリするような鋭い怒りとかパンクな反抗心が最大の魅力だったと思うんです。
確かにそう感じるファンは多いです。
でも今回の新作絵画は静かに目を閉じていたり
彫刻も白くて丸っこくて柔らかそうになっている。
正直なところ鋭さをなくしてただ小さな粘土を最新技術で16倍に巨大化させるのって
ちょっとインスタ映えを狙ったアトラクションかというか。
あーなるほど。
巨大化っていうギミックに頼っているように感じてしまうんですがどうなんでしょうか。
いやー非常に重要な指摘ですね。
そうですか。
表面的に見れば
ただ大きくしただけの脚寄せのギミックと捉える人もいるかもしれません。
はい。
しかしその解釈は少し総計なんです。
たいえっと、彼の作品の変遷、特にこの丸みを帯びた静かな彫刻群にはですね
東日本大震災、特に福島での原発事故以降の
彼自身の心境の決定的な変化が影響していると言われています。
心境の変化ですか。あの怒りが消えてしまったということですか?
消えたのではなく、より深く根源的なものへと沈船したんです。
震災や原発事故という人間の力を遥かに超えた圧倒的な喪失や自然の脅威を前にしたとき
個人的な怒りを外に向かってぶつけるような表現はどこか空虚になってしまう。
そうで彼は自分の指の跡が生々しく残る極めて個人的で親密な手のひらの感触に立ち返ったんです。
そしてそれをあえてモニメント級に巨大化させたんですよ。
暴力的な怒りの形にするのではなく、祈るように目を閉じ静かで巨大な塊として空間に鎮座させるためです。
そうすることで失われた記憶や自然への威負という非常に重いテーマを
公共の空間に半永久的に定着させようとしているのではないでしょうか。
ただ、たつての鋭い怒りは自然への威負や静かな祈り、深い試作へと進化しています。
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だからこそ目を閉じている作品が増えている。
さお、巨大な白と静寂こそがトラウマと喪失に対する彼なりの最大限の表現なんです。
なるほど、怒りをぶちまけるよりも静かに目を閉じた巨大な質量の方が
逆に私たちの心に重く深くのしかかってくるわけですね。
ここで少しブレイクして番組の振り返りをしてみましょうか。
今回のアートが日中や空間に広がっていくというお話、
前回のエピソードのテーマとも深くつながっているんですよね。
展開はアートが国境や文化の壁をどう乗り越えるかというテーマについて話し合いました。
今日紹介した竹岐さん有名人が大衆文化に深く浸透していったことや
ならよしとも個人的な記憶を込めた中国君が
言葉の違うニューヨークのど真ん中でこれほどの熱狂を呼んでいるのも
まさにアートは時代や国境という壁を越えて
世界中の人々の心に侵食している証拠だなと思いながら話していました。
アートの持つ普遍的なメッセージが言葉や国境の壁を溶かしていく。
人間社会において非常に興味深い現象ですよね。
言葉や国境の壁を越えて対話するといえば、
まさにこの番組を作っているチームが開発した言語交換アプリ
モシリンも根本的な手つかくの同じなんですよね。
そうですね。モシリンは22以上の言語に対応していて
世界中の人たちと直接コミュニケーションが取れるアプリです。
その中でも特に面白いのがランキング機能なんですよ。
ランキング機能ですね。
世界中の学習者と語学の学習時間とかアクティビティを
ランキングで競い合いながらモチベーションを高めていく機能なんですが
これ、ただ勉強するだけじゃもったいないんですよ。
今日紹介したような国境を越えるアートのニュースについて
モシリンの音声ルームを使って
海外のネイティブスピーカーと直接話してみるのも面白いと思うんです。
ランキング上位を目指して競い合いながら
ニューヨークのデイビット・ツビルナーの展示
地元ではどういう反応だった?って
楽しそうですな。
そうなんです。現地の生の声を聞いて感想を語り合う。
これって語学の最高のアウトプット法だと思いませんか?
確かに。ニュースだけではわからない現地の空気感や
リアルな反応も一緒に学べそうですね。
気になった方は是非チェックしてみてください。
では後半行きましょう。
さて番組の後半、今日最大のクライマックスに入っていきましょう。
先ほどは巨大な質量の話をしましたが
アートの境界を越える試みは
ついにその質量すらも捨て去ろうとしています。
次は形のないものの中を歩く体験についてです。
いよいよ空間そのもの、環境そのものへの侵食ですね。
出題は台湾です。
台北市立美術館で坂本隆一観音長寿展が開幕しました。
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坂本隆一さん。
の展は2026年10月31日から2027年3月14日まで。
キュレーターを務めているのはナンバユウコです。
世界的な音楽家ですがこの展覧会は彼の2000年代以降の装置音楽も実践に焦点をあげた
高い個展ですね。
装置音楽ですか。
1999年に上映された伝説的なオペラ作品ライフの貴重なアーカイブなども初公開されていて
非常に学術的にも価値の高い展示となっています。
美術館という広大な建築空間の中に7組の巨大な空間装置
いわゆるインスタレーションが展示されています。
坂本隆一は高谷志郎や学部大都といった日本の視覚アートやメディアアートのトップランナーたちと共同して
この装置音楽という全く新しい概念を作りました。
そうですね素晴らしいチームです。
展示室には文字通り霧が立ち込めて天井から水滴が落ちて波紋を作り
世界中の気象データをリアルタイムで変換した光や音が空間を満たしているそうです。
つまり彼らは本来なら時間の中で流れて消えてしまうはずの音楽を
物理的に見て肌で感知できる空間へと変換してしまったわけです。
ちょっと待って下さいそこなんですよ。
普通音楽ってCDでもストリーミングでも再生ボタンを押して
始まりから終わりまでを時間軸に沿って受け身で楽しむものじゃないですか。
一般的にはそうですよね。
この展示の仕組みって例えりなら
絶え間なく流れる川の溝をある瞬間パキッと凍らせて
その凍った川の中に自分が入っていって
氷の彫刻の隙間を自分自身の足で歩き回るような体験ですから
見事な例えですね。
声って私たちが知っている音楽の定義そのものが崩壊していませんか?
崩壊というよりは音楽の完全な拡張と呼ぶべきでしょう。
そしてまさにそれこそが彼の最大の狙いなんです。
拡張ですか?
ご本人自身、音楽は時間芸術だと語りつつも
その時間が必ずしも直線的に
一方通行で進むという常識を深く疑っていました。
時間が直線的ではない。どういうことですか?
通常の音楽は決められたタイムラインで沿って進みますよね。
しかし彼は自然のノイズや同期していないバラバラの音を
美術館という空間のあちこちに立体的に配置したんです。
立体的に?
塵の向こうから聞こえるかすかな音とか
足元の水面から響く音とか
そうするとどうなると思いますか?
そこを歩く観客自身の歩くペースや
どこに立ち止まるか、どの順番で部屋を回るかによって
体験する音が毎回全く変わるんです。
つまり?
そう、観客一人一人の身体的な行動が
21:00
その人にとっての音楽の体験時間を決定する。
なるほど。
もうやスマホの画面にある再生ボタンは必要ありません。
あなた自身の足が再生ボタンなんです。
いやー鳥肌が立ちました。
すごい体験ですよね。
最大の発見はこれですね。
アートや音楽を鑑賞する枠組みが
キャンバスや額縁あるいはスピーカーという目に見える枠から
ついに飛び出して
私たちが息をして歩き回る環境そのものへと
完全に溶け込んでしまったということ。
あの音楽とアートの歴史が交差する瞬間
実は姉妹番組の美術を面白く学ぶ
mfm学芸員の事件簿でも
過去に全員音楽家が近代アートの歴史をひっくり返した事件の回がありましたよね。
あーありましたね。
今日の空間と音楽を融合させるアプローチに通じる面白さがあるので
アートの常識がどう壊されてきたか興味がある方は
ぜひそちらも聞いてみてください。
時間と空間の境界を曖昧にする試みっていうのは
芸術の歴史において常に最も科学的でスリーニングな一方でした。
今回の展示はその一つの到達点と言えるでしょう。
いやー今日は本当に視界が一気に開けるような話題ばかりでしたね。
そうですね非常に濃密でした。
エリートの権威ある枠を壊して
名もなき人々の日常的な便箋や手ぬぐいの中に潜り込んだ
個人的な冬の記憶を16倍の巨大な質量に変えて
ニューヨークのパブリックスペースを圧倒的な静寂で占拠したんだ。
そして時間や音という目に見えないはずの境界線を完全に消したり
美術館の広大な空間そのものを歩いて体験する音楽へと変えてしまった坂本隆一。
アートは常に枠を破り続けているんですね。
キャンパスの中から飛び出し私たちの日常へ
そして私たちが存在する物理的な空間へと
静かにしかし確実に進歩してきて
今日私たちがじっくり紐解いた話を聞いた後だと
身の回りの何気ない日曜日のデザインや町の風景さえも
本当にそうですね
もし沖の空間そのものがアートになり得るのだとするなら
あなたが明日通勤や通学で歩く町の雑踏
車の通り過ぎる音
木々を揺らす風の音といった自然のノイズも
見方を変えればあなただけが体験できる
世界で一つのアート作品になるのではないでしょうか
素晴らしい視点です
アートの境界線は実は美術館の壁や額縁にあるのではなく
あなた自身の頭の中にだけあるのかもしれません
この番組ではあなたからの声をいつでもお待ちしています
今日のお話の感想や次はこんな展覧会や
アーティストを取り上げて欲しいといったリクエストがあれば
ぜひスポーティファイのコメント欄に書き込んでくださいね
ナビゲーターのホストでした
アート解説の専門家でした
NOHでした
それではまた次回お耳にかかりましょう
